Por Juan Carlos Diez para La Voz Internacional de New York
9 de julio de 2026
En el salón principal del Espacio Cultural Viña del Mar se inauguró la singular exposición Intimidad Visual de la artista visual chilena María José Rojas.
Esta exposición busca activar nuevas miradas sobre la ciudad, el territorio y las formas contemporáneas de habitar, poniendo en diálogo el arte contemporáneo con la experiencia del balneario, sus paisajes, recorridos, memorias y modos de vida.
Desde esa perspectiva, Intimidad Visual propone una aproximación sensible al borde costero y a las formas en que las personas habitan, recorren y contemplan estos espacios. La muestra reúne distintas obras compuestas por pinturas en miniatura (4×6 cm), donde cada conjunto construye pequeñas narraciones visuales en torno a la vida cotidiana del balneario.
A través de estas escenas en miniatura, la exposición Intimidad Visual propone múltiples miradas de lo cotidiano, de un recorrido por el borde costero, de los cuerpos habitando la playa y de los paisajes, la artista María José Rojas construye una narración visual sobre quienes habitan estos espacios de forma permanente o estacional.
La muestra propone una relación particular entre la escala del paisaje y el formato de la obra. El mar, la playa y el entorno costero, espacios amplios y muchas veces inabarcables, aparecen contenidos en pequeñas pinturas que exigen cercanía, pausa y atención. De ahí, surge el título de la muestra: Intimidad Visual.
La miniatura, invita al espectador a acercarse físicamente a la obra, generando una relación más directa con la imagen. La intimidad aparece entonces en la cercanía de la mirada, en la observación de lo cotidiano y en la memoria que puede despertar el paisaje costero.
María José Rojas Parra, es artista visual, licenciada en Arte por la Universidad Católica de Chile. Su trabajo se ha desarrollado principalmente desde la pintura y la representación de imágenes realistas, con especial atención a escenas vinculadas a la experiencia cotidiana, los espacios habitados y las formas en que miramos aquello que nos rodea.
La muestra explora la tensión entre la majestuosidad inabarcable del paisaje costero y la escala íntima de la vida cotidiana a través de la pintura en miniatura.
Mediante una diversidad de fragmentos que van desde relatos de veraneantes hasta recorridos longitudinales que exigen el desplazamiento físico del observador, la obra documenta las historias de quienes habitan el balneario de forma permanente o estacional. Al integrar perspectivas aéreas, submarinas y de horizonte, la propuesta captura la complejidad de un entorno que nos abruma por su magnitud, pero que aquí se fragmenta en micro-escenas de lo cotidiano, transformando la inmensidad del mar en una paradoja contenida en apenas unos centímetros.
El proyecto propone forzar a la «intimidad visual». Al reducir el escenario a dimensiones diminutas y disponer las obras en soportes que alteran la postura, el espectador se ve obligado a acercarse físicamente. Esta cercanía no solo redefine la percepción del objeto artístico, sino que genera un vínculo emocional y cómplice con el relato: una invitación a observar de frente y desde la cercanía absoluta, el vínculo indestructible entre el individuo y el infinito horizonte marino.
Esta exposición forma parte del Ciclo Balneario, una programación especial de exposiciones temporales desarrollada por el Departamento de Cultura, a través del Museo Palacio Rioja, el Museo Palacio Vergara y el Espacio Cultural Viña del Mar. Al articular propuestas en distintos espacios, Balneario impulsa la creación, la circulación y el diálogo artístico desde las artes visuales.
Quisimos conocer un poco más profundamente a la artista y lo logramos mediante una entrevista a la que ella respondió de manera honesta y clara, revelando su personalidad a través de respuestas espontáneas y profundas. Disfrutemos del contenido de la entrevista en las próximas líneas.
¿Cuál es tu nombre completo?
María José Eileen Rojas Parra
¿Cuándo y dónde naciste?
13 de febrero de 1983 en Santiago de Chile
¿Cuándo supiste que querías dedicarte al arte?
Desde muy pequeña siempre me identifiqué con el arte. Mi mamá decía que era un peligro con los lápices. Cuando era chica, rayaba todo lo que tenía a mi alcance. Siempre me gustó el arte, pero cuando tuve que tomar la decisión de estudiar una carrera, elegí algo más estable económicamente. Primero postulé a diseño, pero no me aceptaron y me dijeron que mejor estudiara arte. Luego, postulé a publicidad y duré solo un semestre. Entonces, me di cuenta que quería estudiar y dedicarme al arte.
¿Cómo describirías la evolución de tu obra desde tus inicios hasta hoy?
Ha habido muchos cambios. Antes de estudiar, pintaba de forma muy espontánea y emocional, luego de estudiar técnicas, el trabajo fue más riguroso y estructurado, y ahora la pincelada es más fluida, pero siempre manteniendo la estructura como base.
¿Hubo algún momento decisivo en tu carrera?
Creo que este año ha sido un momento muy decisivo. Por mucho tiempo me dediqué a trabajar en otros rubros por cuestión económica, y prácticamente una vez al año participaba en alguna exposición (que para mí es muy poco), pero este año tome la decisión de dedicar el mayor tiempo posible a crear e intentar vivir del arte
¿Qué artistas o movimientos han influido más en tu trabajo?
Mi artista preferido es Marcel Duchamp con su Ready Made. Hoy, además de pintar óleo sobre tela, trabajo mucho con objetos intervenidos o materiales poco tradicionales y los utilizo como soporte para pintar
¿Cómo nace una obra tuya, desde la idea, la emoción o la experimentación?
Muchas veces durante el diario vivir, hay algo que llama mi atención o encuentro algo especial, y las ideas comienzan a surgir desde mi cabeza y comienzo a imaginar la obra. También me gusta mucho trabajar con temáticas impuestas (como en concursos y exposiciones colectivas) ya que son un desafío para mí; siempre trato de ser muy creativa, hacer cosas nuevas y experimentar.
¿Trabajas con bocetos previos o improvisas directamente?
Por lo general, tengo una idea y la visualizo, es como si tuviera un boceto previo en mi cabeza. Luego de ello, como trabajo mucho con imágenes de referencia, busco la imagen que más se adecue a lo que quiero plasmar y durante el proceso de creación voy improvisando un poco.
¿Qué papel juega el error en tu proceso?
De cierta forma es importante. En algunas obras me gusta dejar en evidencia el error, creo que le da más carácter a la obra y da cuenta de lo hecho a mano. Tal vez cuando pinto figura humana no me permito errar, si está desproporcionado o no está en su lugar, me molesta visualmente.
¿Cómo sabes que una obra está terminada?
Cuando estoy conforme entre la idea que visualicé y el resultado. Y también cuando mi cuerpo y mi mente está muy agotado y me dicen que ya está, que debo dejarlo
¿Tienes rutinas o rituales antes de crear?
Lo que hago siempre es limpiar muy bien mi taller, dejar todo ordenado y a mano para comenzar a trabajar, y no puede faltar una taza de té.
¿Qué temas te obsesionan o se repiten en tu trabajo?
La temática que me gusta mucho y que está muy presente en alguna de mis obras es la arquitectura. Trabajo mucho con fachadas o detalles arquitectónicos de edificios antiguos deteriorados y en muy mal estado.
¿Buscas transmitir un mensaje específico o prefieres que el espectador lo interprete libremente?
No, nada específico, me gusta hablar mucho de lo cotidiano y lo que muchas veces dejamos de ver por el ritmo de vida. Solo intento ser coherente y prefiero que el espectador logre vincular cada elemento de la obra para entender el mensaje.
¿Qué emociones te interesa provocar?
Que la gente se maraville, pero desde lo cotidiano. Lo que quiero decir, es que la gente se vea reflejada o se conecte de alguna forma con mi obra y que sienta que ellos están presentes. Por ello, trabajo mucho con imágenes cotidianas y objetos intervenidos de uso diario. También me gusta mucho jugar con la ironía, sobre todo en los títulos de las obras, para romper esquemas mentales y activar el pensamiento analítico con un poco de humor.
¿Tu obra es autobiográfica?
Si, tengo algunas obras autobiografías, utilizo mucho las fotos familiares
¿Por qué elegiste esta técnica o soporte?
Pinto con óleo distintos tipos de telas, papeles e incluso yeso, porque creo que este es más versátil, puedes lograr muchos más efectos pictóricos que con cualquier otro tipo de pintura. Pero, también utilizo soportes donde el óleo no sirve, como por ejemplo, el metal, en ese caso me gusta pintar con esmalte sintético, es un poco más complicado por el secado más o menos rápido, y obliga a adaptarme y ser más espontánea. En general, me gusta experimentar y probar distintas técnicas y materiales como soporte.
¿Has experimentado con formatos digitales o técnicas mixtas?
Si, he realizado algunas obras con formato digital en video y también un poco de fotografía. Pero generalmente el vídeo lo utilizo más como registro artístico para las instalaciones y lo fotográfico como imagen de referencia en lo pictórico.
¿Qué desafíos técnicos enfrentas en tu trabajo?
Yo diría que no tengo muchos desafíos técnicos. Intento ser una artista integral (saber de todo un poco), incluso en la universidad tenía que solicitar más créditos, ya que siempre me pasaba por querer tomar la mayor cantidad de ramos posibles.
Si no conozco alguna técnica, la investigo y experimento con ella. Tal vez diría que mis mayores desafíos son más bien logísticos, cuando son obras de gran tamaño, muy pesadas y difíciles de instalar.
¿Cómo decides el tamaño de una obra?
Son muchas variables. Por un lado, si pinto figura humana me gusta que la escala sea 1:1 también si participo en una exposición colectiva depende del espacio que dispongo, pero por lo general me gusta ocuparlo por completo. O si pinto objetos, esos determinan el tamaño.
A pesar de todo ello, me gustan los formatos grandes de 2×1 metros o me voy al otro extremo y trabajo con formatos muy pequeños, pero en ese caso trabajo el volumen (muchas piezas), para abarcar la mayor cantidad de espacio posible.
¿Es posible vivir del arte hoy?
Es muy difícil, hoy estoy intentando descubrir cómo hacerlo. Hay artistas que lo logran, algunos se van al exterior, otros hacen clases y también hay artistas que venden sus obras en Chile con galeristas, pero en este caso deben encasillarse en un estilo y eso no va conmigo. Estoy buscando la fórmula que se ajuste a mí.
¿Cómo manejas la relación entre creación y venta?
No tengo ningún problema con vender mi creación. Al principio me costaba mucho dejar ir mis obras, pero ya no es problema. Recuerdo un trabajo que realicé en la universidad donde pintaba una imagen familiar sobre vulcanita (yeso), luego tuve que romperla y perder parte de la imagen. Me costó mucho tomar la decisión de hacerlo, pero después de hacerlo, sentí que me saqué un peso de encima y el resultado final fue exactamente lo que buscaba. Desde ahí perdí ese apego con mis obras y ya las puedo dejar ir; fue como un ejercicio terapéutico de desapego.
¿Qué estrategias te han funcionado para vender tu obra?
Hubo un tiempo que viví en la comuna de Paine, pero, a pesar que era una zona rural, había mucho movimiento de turistas y de parceleros, estaba ubicada en una calle principal y mi taller estaba abierto al público. Creo que fue la época que más vendí.
¿Crees que las redes sociales ayudan o condicionan la creación?
Creo que en mi caso me ayuda a conocer nuevas técnicas o materiales con los cuales trabajar e incluso el dato de dónde comprarlos. Pero pensar en condicionar la creación, en mi caso no sucede. Puede que a alguien le funcione o le sirva, pero para mí no. Además, no soy muy fan de las redes sociales.
¿Cuál crees que es el rol del artista en la actualidad?
Creo que el rol del artista desde siempre ha sido entregar algún mensaje positivo o negativo de la vida y su humanidad, el problema que siento es que hoy ese lenguaje es muy abstracto para el común de la gente. No todos lo entienden y las personas pierden el interés por descifrar ese mensaje. A pesar de ello, hoy en día se realizan más actividades de mediación que permiten la comunicación más directa entre el artista y el espectador, lo cual facilita el entendimiento de la obra.
¿El arte debe ser político?
Siento que cada artista es libre de comunicar lo que quiera y como dije anteriormente, pueden ser cosas negativas o positivas, como también estéticamente cosas feas o bellas. Si es político o no, depende de lo que cada artista quiera transmitir
¿Cómo influye el contexto social en tu obra?
En ciertas obras puede ser más relevante que en otras. Al trabajar el contexto cotidiano y la rutina, muchas veces va de la mano con el contexto social, que nos habla de una estructura cultural y económica de la sociedad
¿Qué te da miedo como artista?
Perder mi creatividad
¿Qué proyecto aún no te atreves a hacer?
No sé si la palabra es “no atreverse” pero el proyecto que he postergado es por su formato de gran tamaño. Se trata de somieres antiguos intervenidos con pintura con diversas imágenes. He realizado solo dos, ya que no tengo el espacio en la bodega para guardar varios somieres de 1 y 2 plazas. Son obras de formato grande y en estos momentos es una complicación.
Si dejaras de crear, ¿qué perderías?
Creo que mi esencia, no puedo dejar de crear. Si no estoy haciendo una creación artística, me dedico a trabajar algún tipo de manualidad.
¿Qué le dirías a tu versión más joven?
Que no perdiera el tiempo y que comience a estudiar arte en la universidad lo antes posible
¿Estudiaste arte, dónde?
Si, primero estudié pintura hiperrealista con Ricardo Ramírez y luego a los 24 años entré a la Universidad Católica en Santiago a estudiar arte.
¿Cuál es tu sentimiento frente al arte?
Para mí es muy importante, es casi una necesidad que tengo que desarrollar constantemente y muchas veces es mi manera de expresarme.
¿Hay algún elemento clave en tus obras… algo que se repita?
Creo que no. Soy un artista muy dispersa, trabajo con muchos materiales, temáticas y técnicas. Y tampoco me gustaría encasillarme con algún elemento, no me gustaría ser de esos artistas que pintan una y otra vez lo mismo o cosas muy parecidas. Me gusta hacer cosas nuevas, experimentar e ir más allá de los límites
¿Expusiste en forma virtual en pandemia?
Sí, participé en algunas exposiciones virtuales con artistas de Curacaví, que es donde estoy viviendo. Eran trabajos que ya tenía, pero más que eso no hice. Durante la pandemia, la verdad es que realicé mi propia cuarentena artística por decirlo así. No trabajé creando obras en sí, pero si estuve trabajado en mi casa. Yo vivo en una parcela en Curacaví con mi mamá, que también es artista y durante todo ese tiempo estuvimos trabajando en terminar nuestra casa y taller, pero con terminación lo más creativas y artísticas posibles, todo hecho con nuestras manos. Gran parte del piso tiene mosaicos, colocamos ventanas antiguas de distintos tamaños, con vidrios de colores, y por todos lados existen rincones con arte y objetos raros. Es como si nuestra casa fuera una obra de arte.
¿Cómo estás como artista emocionalmente hoy?
Hoy estoy buscado la respuesta de cómo vivir del arte y mientras lo hago, estoy en un proceso muy creativo, me surgen nuevas ideas constantemente. Siento que no puedo parar y que necesito buscar la forma de combinar la creación artística y los recursos económicos para vivir del arte. Es algo que de cierta forma me angustia un poco, al no encontrar la fórmula de combinar estas dos cosas.
¿Cómo definirías tu proceso de creación?
Yo soy muy visual y reflexiva. Imagino todo en mi cabeza, visualizo la obra terminada y reflexiono sobre si es necesario hacer algunos cambios y otras opciones, para que así la obra sea coherente con mi mensaje.
Lo que me da resultado es ver muchas fotografías e imágenes, tomando algo que me sirva, y voy formando una imagen en mi cabeza, luego tomo como referencia algunas de estas imágenes y trabajo con ellas.
¿Te sientes profeta en tu tierra?
De cierta forma sí, creo que tengo talento y me siento muy creativa. Cuando participo en exposiciones la gente en general le gusta mi trabajo, las personas que entienden de arte hablan muy bien de él. He ganado o he sido preseleccionada en algunas convocatorias masivas, pero no logro vivir 100% del arte, algo falta y creo que el problema está en Chile. Somos un país con mucho desarrollo tecnológico, hemos avanzado en muchas cosas, pero culturalmente falta mucho.
¿Has pensado hacer talleres para ayudar a la formación de nuevos artistas?
Me gusta trabajar con niños, siento que están más abiertos a aprender, absorber información y tienen menos prejuicios. Con los adolescentes es más entretenido, ya que en ese caso, es uno quien absorbe y se compenetra con su creatividad. Y los adultos mayores, son más complicados, ya que por lo general tienen muchos temores, son más prejuiciosos y a veces un poco porfiados jajajjaa.
¿Hay más artistas en tu familia?
Si, la persona más cercana es mi mamá, ella es escultora y desarrolla otras artes como la música. Vengo de una familia que históricamente ha aportado enormemente al desarrollo de la cultura y el arte en Chile. En la familia Parra, hasta el día de hoy existen muchos artistas que desarrollan todo tipo de arte y que son muy talentosos.
Así, hemos conocido más íntimamente a María José Rojas, una promisoria artista que tiene mucho talento y mucho por entregar culturalmente a la sociedad.
Felicitamos a la artista por su trayectoria y aporte a la comunidad en el desarrollo de su arte tan diverso e interesante.
Información
Ubicación del Espacio Cultural de Viña del Mar: Arlegui 683, Viña del Mar, Chile
Horario: lunes a viernes de 10:00 a 18:00 horas y sábado de 10:00 a 14:00 horas
Duración: la muestra estará abierta desde el 7 de julio al 22 de agosto de 2026
La entrada es gratuita
Redes Sociales de la artista:
Instagram: @coterojasparra.art
Web: www.artepoh.cl
Pueden seguir en Instagram al Espacio Cultural Viña del Mar en @espacioculturalvina y al Departamento de Cultura en @culturasvina. Allí conocerán todos los panoramas y eventos que ofrece el Municipio de Cuidados de Viña del Mar a la comunidad.
